C’era infatti un pubblico davvero eterogeneo mercoledì sera al Teatro Nuovo di Milano (dove “The Best of Parsons Dance” resterà in scena fino al 5 febbraio, per poi proseguire il tour in tutta Italia fino al 12 marzo). Molti giovani, ma anche moltissime signore della terza età e diversi rappresentanti del sesso maschile, in genere poco propensi alle arti tersicoree. Segno che l’approccio alla danza moderna sta cambiando negli anni, per merito anche di compagnie come quella di Parsons, che l’hanno resa più accessibile al grande pubblico.

Due sono i punti di forza di uno spettacolo come “The Best of Parsons Dance”: musica e danza si compenetrano a vicenda, grazie a coreografie coinvolgenti, in cui però la precisione espressiva del gesto è quasi maniacale. E il risultato è sorprendente: un virtuosismo tecnico ed espressivo che non annoia mai. Anzi. Permette allo spettatore di  toccare insieme ai danzatori le splendide musiche di sottofondo, di avere una percezione musicale completamente legata ai movimenti coreografici.

Si va dalle note progressive di Robert Fripp per la mitica “Caught”, in cui le evoluzioni di un ballerino sono catturate in volo grazie alle luci stroboscopiche, allo swing di Kenji Bunch per “Swing Shift” e “Hand Dance” (realmente una danza delle mani), dal sound brasiliano di Milton Nascimento per il gioioso “Nascimento” alle introspezioni classico-contemporanee della violoncellista Zoe Keating in “Round my world”, ultima creazione, in prima europea.

Nel corpo di ballo, semplicemente perfetto per tecnica, energia e magnetismo, spicca una piacevole sorpresa: l’italiana Elena D’Amario (nella foto in primo piano), ottima danzatrice proveniente da  “Amici di Maria De Filippi”. Proprio grazie al programma, Elena ha potuto frequentare a New York uno stage con la compagnia e poi divenirne membro ufficiale. Al suo fianco in scena: Eric Bourne, Sarah Braverman, Melissa Ullom, Steven Vaughn, Christina Ilisije, Jason Macdonald e Ian Spring.

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Le prime due foto della gallery sono di Paula Lobo.

Ecco un video trailer dello spettacolo

Il ritorno dei Tap Dogs in Italia dopo lunghissima assenza è stato annunciato in modo davvero efficace e ha risvegliato la curiosità di chi non li conosceva. Io ho avuto la fortuna di vederli proprio in un fine stagione del Teatro Smeraldo di quattordici anni fa. All’epoca pensavo di trovarmi davanti a una sorta di doppione di “Stomp”, ma cambiai subito idea. Fu un autentico colpo di fulmine e credo che non sia passata conversazione sul teatro in cui non decantassi la bravura di questo eccezionali danzatori australiani. E sono puntualmente tornata a rivederli al Teatro Nuovo di Milano.

I Tap Dogs sono molto più che ballerini. L’idea del creatore e coreografo Dein Perry, memore delle sue esperienze nelle fabbriche di Newcastle (città mineraria a Nord di Sidney), è proprio quella di mettere insieme il ritmo contagioso del tipo tap con la forza e la potenza tipica degli operai. Dimenticate la raffinatezza di Fred Astaire che danza tra i ponti di Venezia in…”Top Hat”. I Tap Dogs, che si presentano in abiti da lavoro e anfibi, si esibiscono tra fondamenta in costruzione, travi inclinate -- persino a testa in giù --  tra le fiamme dei saldatori e le secchiate d’acqua. Leggendo tra le righe, sono chiari gli omaggi ai classici del genere: il numero “acquatico” di Gene Kelly in “Cantando sotto la pioggia” e la danza sul soffitto di Fred Astaire in “Sua altezza si sposa”.

E sono proprio gli elementi più inaspettati che coinvolgono il pubblico. Soprattutto quando si trova a dover fronteggiare gli schizzi con alcuni impermeabili messi a disposizione alle prime file.

E’ uno show coinvolgente, davvero per tutte le età. Il primo spettacolo da grande a cui ho portato la mia nipotina. Che ha già chiesto il bis. Ho creato un’altra teatro-maniaca?

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Ecco le prossime date dei “Tap Dogs” in Italia:

Dal 20 al 22 gennaio Genova Teatro Politeama Genovese

24 e 25 gennaio Padova Granteatro

26 gennaio Gorizia Teatro Comunale G. Verdi

28 e 29 gennaio Napoli Palapartenope

Dal 30 gennaio al 4 febbraio Roma Teatro Olimpico

6 e 7 febbraio Assisi Teatro Lyrick

8 e 9 febbraio Bologna Teatro EuropAuditorium

Dal 10 al 12 febbraio Firenze Teatro Verdi

…e un filmato, giusto per avere un assaggio dello show:

]]> http://www.tophat.it/2012/01/19/tap-dogs-energia-allo-stato-puro/feed/ 0 http://www.tophat.it/2012/01/16/due-di-noi-il-testo-di-frayn-non-convince/ http://www.tophat.it/2012/01/16/due-di-noi-il-testo-di-frayn-non-convince/#comments Mon, 16 Jan 2012 11:54:14 +0000 isabella http://www.tophat.it/?p=3702 “Due di noi” rappresenta l’esordio teatrale di Michael Frayn, autore inglese diventato celebre per una delle pièce più rappresentate degli ultimi anni, “Rumori fuori scena”. L’efficacia comica e narrativa del primo non è però all’altezza di quest’ultimo.

“Due di noi” rappresenta l’esordio teatrale di Michael Frayn, autore inglese diventato celebre per una delle pièce più rappresentate degli ultimi anni, “Rumori fuori scena”. L’efficacia comica e narrativa non è però all’altezza di quest’ultima.

Ne è la prova l’allestimento in scena al Teatro Manzoni di Milano fino al 29 gennaio, interpretato dai pur bravi Emilio Solfrizzi e Lunetta Savino, diretti da Leo Muscato.

La vicenda, incentrata su tre emblematiche e paradossali situazioni matrimoniali, sembrava perfetta per la comicità nevrotica e a tratti surreale dei due. Ma nonostante l’impegno degli interpreti, quello che emerge è la debolezza di un testo che risulta carino e nulla più.

Nell’ordine, “Due di noi” presenta tre diverse situazioni. Nella prima, emerge una comicità più immediata, ma a tratti scontata. Una coppia, che si ritrova a gestire un ritorno di romanticismo con le urla del pargoletto di pochi mesi, insonne notturno cronico; nella seconda, decisamente pesante, un matrimonio alla Antonioni, in crisi d’incomunicabilità, al punto che lei, complice la bottiglia, parla solo con il piede del marito; nella terza, che vorrebbe essere quasi una pochade alla Feydeau, marito e moglie si ritrovano per errore a cena una coppia di amici da poco separati e il nuovo giovanissimo fidanzato di lei.

Solfrizzi è davvero bravo a dare le giuste sfumature ad alcuni clichés delle tre tipologie di marito, a tratti nevrotico, noioso e anche un po’ tonto. La Savino ha un’espressività tragicomica davvero peculiare, che però a volte si presta poco al ritmo richiesto, soprattutto sul finale. Un applauso comunque ai due in particolare per la notevole prova nella terza situazione, in cui si ritrovano a dover gestire cinque ruoli contemporaneamente.

Uno spettacolo nel complesso piacevole, ma che certamente non è all’altezza del miglior Frayn e che, nonostante le intenzioni registiche, risente di alcuni richiami temporali tipici degli anni’ 70, come la condizione della donna, la rivoluzione sessuale e la ribellione giovanile.

Buona comunque la regia di Leo Muscato e ottima la scelta scenografica di Antonio Panzuto che prevede pochissimi cambi e un ambiente pressoché unico.

La foto è di Fabio Lovino.

Lo spettacolo a lunga tenitura o, per dirla all’anglosassone il “long running show” è ancora una realtà in via di sviluppo in Italia. Certo, titoli come “La Bella e la Bestia” o “Mamma mia!”, che possono vantare mesi di permanenza a Roma e Milano sono un’ottima premessa, ma siamo ancora lontani dai trionfi ultra-decennali di Broadway o del West-End de “il Fantasma dell’Opera” o “Cats”.

Se però una strada si può percorrere, è proprio quella del bus di “Priscilla, La Regina del Deserto, il musical”, l’acclamato show australiano, che dopo i trionfi di Sidney, Londra, Toronto e New York, ha debuttato lo scorso 14 Dicembre a Milano, al Teatro Ciak Webank.it, ribattezzato per l’occasione Priscilla Palace. La produzione è del MAS (Music, Arts & Show).

Il punto di forza dello spettacolo, tratto dal film “Le avventure di Priscilla la Regina del Deserto” (1994) diretto da Stephan Elliott, con Guy Pearce, Terence Stamp e Hugo Weaving, risiede nella sapiente carrellata di cultura camp, che spazia dalla musica ai costumi, ma soprattutto nell’avventura “on the road” delle tre drag queens Tick (Mitzi), Bernadette  e Adam (Felicia), in viaggio da Sidney attraverso il deserto australiano fino ad Alice Springs per portare in scena il loro spettacolo.

La bizzarra vicenda è divertente, frizzante e senza dubbio contagiosa e liberatoria. Le battute caustiche e a raffica soprattutto di Bernadette (l’unica drag transessuale, che sembra una versione più anziana della Agrado di “Tutto su mia madre”) irresistibili.

La colonna sonora è trascinante e infatti il pubblico della prima ha partecipato, con tanto di boa di struzzo fucsia al collo (offerto all’ingresso), cantando le 25 hits, che spaziano da Donna Summer, Cindy Lauper, Madonna, ma anche commentando e incitando le battute dei protagonisti. “Rocky Horror” docet e l’audience participation è molto più che dietro l’angolo.

Un plauso particolare va poi ai costumi premio Oscar di Tim Chappel e Lizzy Gardiner, più di 450 (con oltre 60 parrucche, 150 paia di scarpe per un totale di 261 cambi), che sono una vera e propria goduria kitsch e al bus Priscilla, illuminato da centinaia di led. Peccato che, per un inconveniente tecnico, la scena in cui Adam-Felicia canta “Sempre libera” da “La Traviata” non si sia svolta sulla gigantesca e leggendaria scarpa argentata.

Eccellente il cast diretto da Simon Phillips, con una nota di merito per Simone Leonardi- Bernadette (eccezionale Din Don in “La Bella e la Bestia”) e Loredana Fadda, una delle Divas, (ottima Giglio Tigrato in “Peter Pan” e Oz in “We will rock you”). Il più sottotono è Antonello Angiolillo (reduce da “La Bella e la Bestia”), decisamente poco convinto nel ruolo di Tick, mentre si destreggia bene, tra soprattutto tra canto e ballo, Mirko Ranù-Adam (messosi in luce in “Flashdance”).

Un’unica pecca tutta italiana: la prima del 14 dicembre è iniziata con un’ora di ritardo, a causa di spettatori poco puntuali o sparpagliati in piedi in ogni angolo del teatro. Che però hanno rimediato, almeno in parte, con una trascinante audience participation finale.

Ecco una mini gallery tratta dallo spettacolo originale:

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“Stanno suonando la nostra canzone”, scoppiettante commedia musicale di Neil Simon e Marvin Hamlish datata 1979,  ”è costruita in modo impeccabile, con una cura incredibile in cui nulla è lasciato al caso” – ha decretato Gianluca Guidi, regista della terza versione italiana.

Il divertente battibecco di nevrosi e sentimenti – basato tra l’altro sulla burrascosa relazione tra Hamlish e Carol Bayer Sager – tra il famoso e pluri-premiato compositore Vernon Gersch e la sua sciroccata paroliera Sonia Walsk – ha già visto le scene in Italia nel 1981, con la coppia da antologia Gigi Proietti e Loretta Goggi e, nel 1998, gli ottimi Gianluca Guidi e Maria Laura Baccarini. In entrambi i casi Proietti ne curava la regia e il testo poteva contare su voci straordinarie e un affiatamento non comune.

Lo stesso purtroppo non si può dire dell’allestimento in scena fino al 27 novembre al Teatro Manzoni di Milano, che vede protagonisti Giampiero Ingrassia e Simona Samarelli, diretti appunto da Gianluca Guidi.

Ingrassia non ha il “physique du rôle” e neanche il tratto del nevrotico-metropolitano, ma si cala comunque con impegno nei panni di Vernon Gersch, offrendo una prova canora convincente. Simona Samarelli ripropone invece una Sonia in versione svamp, debitrice della sua Ulla in “The Producers”, deludendo però sia sul livello canoro sia su quello recitativo.

Va da sé che il ritmo perfetto del testo di Simon non decolla e purtroppo non convince. Apprezzabile invece lo sforzo della complessa macchina teatrale che vanta ben diciotto cambi di scena – sfortunatamente alla prima a Milano si è notato qualche intoppo –  e un cast di ventidue persone tra attori e tecnici.

Molti appassionati di musical sanno essere terribilmente snob e difficilmente si prodigano in lodi nei confronti delle produzioni non anglofone. Ecco perché risveglia un certo orgoglio patriottico constatare l’accoglienza  di “Sister Act” nella versione nostrana, che ha debuttato lo scorso 27 ottobre al Teatro Nazionale di Milano. Un vero e proprio trionfo, decretato anche da molti spettatori anglosassoni e americani e dalla stessa Whoopi Goldberg, produttrice dello show insieme a Stage Entertainment.

“Sister Act” è davvero una produzione di prima classe. La sfida non era sicuramente cosa facile: trovare un’interprete che riuscisse a combinare la scoppiettante Goldberg e l’eclettica Patina Miller, interprete dello show che ha debuttato lo scorso anno a Broadway.

Loretta Grace, afro-americana cresciuta nelle Marche, è una piacevole sorpresa. La sua Deloris Van Cartier alias Suor Maria Claretta, cantante di night che si rifugia in un convento di suore per sfuggire a un fidanzato criminale, fa davvero faville ed è perfetta per brio, verve e capacità canore. Eccezionale, a sua volta, la macchina teatrale, in cui cambi di scena, costumi impeccabili e movimenti coreografici si alternano con stupefacente sincronia. Merito senz’altro dell’accurata regia dell’olandese Carline Brouwer, ma anche dell’attento lavoro di traduzione e adattamento del testo e delle liriche inglesi, opera di Franco Travaglio.

Coinvolgenti e in deciso stile disco anni ‘70 e ‘80 le musiche firmate dal grande Alan Menken con liriche di Glenn Slater.

Il cast e l’orchestra danno un’ottima prova, con una nota di merito in più per Dora Romano (la Madre Superiora), lo strepitoso trio canterino dei gangsters Massimiliano Pironti, Fabrizio Checcacci, Giacomo Buccheri e il tocco ironico di Simone Colombari (Monsignor O’Hara).

Se mai ci fosse ancora bisogno di invogliarvi a vedere “Sister Act”, vi propongo intanto un assaggio tratto dall’allestimento di Broadway

Il sipario si apre su un gruppo di attori che si muovono e atteggiano apparentemente secondo una volontà esterna (siamo sicuramente dalle parti dei “Sei personaggi in cerca d’autore”), una regia soprannaturale che li obbliga a movimenti inconsulti e meccanici, a metà tra il teatro dell’assurdo e le sperimentazioni drammaturgiche degli anni ‘20. Si entra poi in modo più tradizionale nelle vicende di una moglie bisbetica domata dai fasulli tenatativi di omicidio del marito (di cui ricordo una splendida versione cinematografica del ‘65 , “Oggi domani e dopodomani”, di Luciano Salce con lo stesso Salce, Marcello Mastroianni e Virna Lisi), di un non vedente che finge di recuperare la vista per non vivere della pietà della fidanzata, di due miopi innamorati e di un mago ciarlatano alle prese con un compare inetto. Si ride, più facilmente si sorride, si riflette in questi atti unici, ma il merito va soprattutto ai due interpreti pirncipali Rocco Papaleo e Giovanni Esposito, grandi mattatori – soprattutto in “Pericolosamente”, l’episodio della moglie domata. Il lavoro risulta però sospeso e poco convincente, con una regia che si vuole discostare dai canoni eduardiani, anche con scelte poco condivisibili come quello di accompagnare la pièce un sottofondo musicale troppo terogeneo e spesso invadente.

]]> http://www.tophat.it/2011/05/02/eduardo-piu-unico-che-raro-ma-la-regia-di-giancarlo-sepe-non-convince/feed/ 0 http://www.tophat.it/2011/01/30/fantastichini-ferrari-ottimi-interpreti-de-il-catalogo-di-carriere/ http://www.tophat.it/2011/01/30/fantastichini-ferrari-ottimi-interpreti-de-il-catalogo-di-carriere/#comments Sun, 30 Jan 2011 15:36:35 +0000 isabella http://www.tophat.it/?p=3516 Visto il mio post su Face à face, la rassegna sulla drammaturgia francese, non potevo fare a meno di dedicare spazio a una commedia attualmente in scena nei teatri italiani. Si tratta de “Il catalogo” di Jean Claude Carrière, autore tra i più prolifici e geniali del panorama d’Oltralpe. Si ricordano infatti le sue collaborazioni con Buñuel, Malle, Godard, Wajda, Brook e Rappeneau, solo per citarne alcuni. La commedia, portata in scena con successo in Francia nel 1994, da Fanny Ardant e dal compianto Bernard Giraudeau – scomparso lo scorso luglio – vede come protagonisti italiani una coppia davvero affiatata di ottimi attori, Ennio Fantastichini e Isabella Ferrari.

La storia, come giustamente precisa il regista Valerio Binasco, deve molto alle atmosfere stralunate della “Nouvelle Vague” (”Fino all’ultimo respiro”,  tra i tanti titoli da citare). Ma c’è anche molto teatro dell’assurdo, la stessa ossessione per l’intimità della casa de “Il guardiano” di Pinter.

Veniamo alla trama: Jean Jacques è un Don Giovanni sui generis: di giorno avvocato rampante, di notte “tombeur de femmes” a ciclo continuo Al punto che è costretto a stilare un catalogo delle sue oltre centotrenta conquiste, per evitare imbarazzanti scherzi della memoria. La sua casa è anonima, perfetta per non dare confidenza alle inquiline di una notte. Non ha però fatto i conti con Suzanne, una stralunata ragazza che improvvisamente appare tra le sue mura, con un unico desiderio: quello di restare. Sostiene di essere capitata per caso da Jean Jacques, in cerca di un suo fantomatico seduttore, un certo Signor Ferrand. Di lei si sa solo che ha una storia triste alle spalle, fatta, forse, di mille amori fugaci e mai corrisposti. Di una cosa sola si è certi: proprio come  Jean Jacques, inizialmente furioso per l’intrusione dell’estranea nel suo focolare, vive in una consapevole e agghiacciante solitudine. E così, gradualmente, i due si ritrovano  e intrecciano le loro vite indissolubilmente. Amandosi.

Happy ending? Non proprio. Il finale de “Il catalogo” è curioso, ma non ve lo anticipo, perché è davvero soprendente e diverso dalle aspettative. Personalmente avrei preferito una chiusura su una delle ultime scene, sul pianto liberatorio di Suzanne, molto in  stile “Filumena Marturano”. Ma il bello della commedia è proprio questo. Non è mai convenzionale e instilla un’inquietudine sentimentale crescente.

Asciutta ed efficace la regia di Binasco. Ottimi gli interpreti: Isabella Ferrari è una Suzanne attonita e bizzarra, una sorta di Betty Boop metropolitana traviata dal destino. Ennio Fantastichini dà vita alle mille nevrosi e slanci affettivi di Jean Jacques con una straordinaria professionalità. Dimostrata anche per la capacità di recitare con un’evidente malanno di stagione, che lo ha costretto a sospendere una delle recite al Teatro Manzoni di Milano, dove sarà in scena fino a oggi.

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A quarant’anni dal suo esordio sul palcoscenico, “Jesus Christ Superstar” rappresenta ancora una sfida in campo teatrale. Poco importa delle mille versioni on stage del capolavoro di Andrew Lloyd Webber e Tim Rice. Perché  per tutti “Jesus Christ Superstar” è legato all’irripetibile magia di talenti riuniti nel film del 1973 diretto da Norman Jewison: Ted Neely (Gesù), Yvonne Elliman (Maddalena) e soprattutto il grandissimo e compianto Carl Anderson (Giuda). Ebbene Massimo Romeo Piparo questa sfida l’aveva già vinta nel 1995 quando allestì il musical con una piccola compagnia di Messina, il Teatro della Munizione (poi Planet Musical) e un gruppo di eccezionali attori cantanti allora sconosciuti, Egidio La Gioia (Giuda), Paride Acacia (Gesù) e Olivia Cinquemani (Maddalena). Cosa incredibile in quegli anni per una produzione nostrana interamente in lingua inglese, lo spettacolo riscosse un enorme successo e conobbe ben tre versioni, di cui una memorabile del 2000, con Carl Anderson di nuovo nel ruolo di Giuda e Amii Stewart in quello della Maddalena. Dopo l’anteprima al Teatro Greco di Tindari e la permanenza a Roma, la sfida del Jesus si ripete al Teatro Smeraldo di Milano (dove sarà in scena fino al 28 novembre), con un cast in gran parte rinnovato. Matteo Becucci, vincitore di X Factor 2009, è Giuda, Simona Bencini, dai noti trascorsi nei Dirotta su Cuba è la Maddalena, Mario Venuti è Pilato e Ivan Cattaneo è Erode. Il veterano Paride Acacia è Gesù.

Gli occhi alla prima milanese di ieri erano ovviamente puntati su Matteo Becucci  al suo esordio su un palco. Matteo, molto adatto fisicamente e vocalmente al ruolo, ha una bella voce tenorile. Peccato che proprio sulle note di “Heaven on their minds” l’emozione sia trapelata chiaramente, soprattutto in diverse note alte lasciate a metà e in una recitazione un po’ acerba. La sua esibizione è però progressivamente migliorata  fino a un eccellente e trascinante ”Superstar” finale. Processo contrario per Simona Bencini, che ha dato un’ottima prova sulla difficile “Everything’s is alright”, mentre ha abusato di gorgheggi e vocalizzi jazzistici nel crescendo dello spettacolo. Impeccabile come sempre Paride Acacia. L’unico cantante italiano capace di reggere per due ore e mezzo la difficoltà vocale del ruolo di Gesù, passando da vocalità basse ad acuti irraggiungibili.

Deludente la prova di Mario Venuti. Ci si aspettava molta più grinta da un cantante dai trascorsi così colti. Invece è emersa, soprattutto nella crepuscolare “Pilate’s Dream”, oltre che un imperdonabile difetto di pronuncia (una esse decisamente invasiva), una scarsa convinzione sia sul piano recitativo sia su quelo vocale. Ottima l’intepretazione di Ivan Cattaneo, che ha dato vita a un Erode travolgente e pieno di verve con impronte alla Rocky Horror, sfoggiando vocalità sottili e roboanti sfoghi da bluesman. Un bravo anche al basso Ciccio Regina (Caifa), imponente per fisico e timbro.

L’orchestra diretta da Emanuele Friello è di eccellente livello, anche se purtroppo la mancata calibrazione audio ha coperto gran parte del cantato, rendendo poco comprensibili (particolare confermatomi da un madrelingua Inglese) i testi delle canzoni.

Impeccabilmente “seventies” e  hippeggianti l’allestimento scenico (di Giancarlo Muselli), i costumi (di Santina Ferro) e le coreografie (di Roberto Croce), che riprendono le successive versioni di Piparo. Anche se personalmente ho una preferenza per quella minimal e scarna degli esordi. Vagamente didattica la scelta di proiettare con dei led alcuni stralci del Vangelo, una sorta di traduzione condensata che non giova all’attenzione dello spettatore. Nel complesso un ottimo spettacolo. Consigliato vivamente a tutti, amanti o meno del musical. Da vedere.

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Le commedie di Neil Simon si sa, sono una garanzia. A dispetto di chi ancora considera la commedia un genere minore, i testi del grande scrittore statunitense sono delle macchine comiche perfette, dove nulla è lasciato al caso.

Prendiamo “Rumors”, la farsa in scena al Teatro Manzoni di Milano fino al 2 maggio, interpretata dai nostri Zuzzurro e Gaspare, diretti da Massimo Chiesa.

Lo spunto della trama è apparentemente esile: il vice sindaco di New York viene ritrovato nella sua lussuosa dimora, riverso in un lago di sangue, ferito a un orecchio da un proiettile. La moglie è sparita e il particolare non è irrilevante, dato che mancano poche ore al party per il loro anniversario matrimonio.

“Nascosto” al riparo dagli scandali nella sua camera da letto da commercialista e consorte, il pover’uomo è ben presto reclamato dagli altri invitati: l’avvocato Lenn con la moglie Claire, il cinico candidato al Senato Glenn, in lite continua con Cassie e l’analista Welch con l’insopportabile metà perfettina Cookie. A poco a poco tutti vengono informati del “segreto” che annega in un mare di chiacchiere e pettegolezzi, i “rumors” appunto della tipica upper class newyorchese degli anni ‘80. L’inaspettato arrivo di un poliziotto complicherà notevolmente le cose.

Zuzzurro e Gaspare mettono al servizio la loro intesa trentennale al meccanismo di un Simon “french style”, quasi un Feydeau modernizzato. Se anche si può fare un leggero appunto alla regia, un po’ lenta inizialmente, lo spettacolo decolla in breve tempo e si rivela travolgente. La compagnia è ottima con una lode speciale per Eleonora D’Urso (l’irresistibile svamp Chris) e Alessandra Schiavoni (la pungente Claire). L’abilità affabulatoria di Andrea Brambilla alias Zuzzurro sembra poi fatta su misura per il suo personaggio, un pettegolo che unisce la sua arte logorroica alla necessità del momento, inventando davanti al poliziotto una spiegazione plausibile alle penose condizioni del vice-sindaco.

A chi andrà a vedere lo spettacolo, lascio la sorpresa di sapere tutta la verità.

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